A estética medieval e o visual das antigas cortes invadiram os videoclipes, as passarelas internacionais e as telas de cinema, marcando um forte retorno de referências históricas distantes no universo da moda. No videoclipe de “Party”, divulgado em setembro, o cantor australiano Troye Sivan é um cavaleiro retornando da batalha para uma festa no castelo. O visual dialoga com o estilo medieval da musicista estadunidense Chappell Roan: desde o lançamento de seu primeiro e único álbum, The rise and fall of a midwest princess (2023), a revelação do pop usa armaduras de ferro iguais às de Joana d’Arc. Tais figurinos de época, porém, não são caprichos isolados.
As passarelas têm revisitado períodos históricos cada vez mais longínquos. Em junho, Jonathan Anderson, diretor criativo da Dior, desfilou o verão 2027 masculino da grife em uma casa-museu parisiense do século 18. Peças como sobrecasacas militares bordadas com fios dourados, camisas de seda e gravatas-borboleta deram sequência à imagem aristocrática desconstruída que o estilista tem defendido desde a sua estreia na marca, no ano passado.
Em setembro, na semana de moda de Nova York, a Luar transformou um gibão medieval em agasalho esportivo, enquanto a Collina Strada uniu babados vitorianos à estética grunge. Semanas depois, durante a Paris Fashion Week, John Galliano lançou a sua colaboração com a Zara, levando às araras da fast fashion fraques, jabôs (golas de renda drapeadas) e chapéus de duas pontas (à la Napoleão Bonaparte). O designer ecoou o modo de vestir dos Incroyables, dândis da Revolução Francesa que servem de inspiração para o seu trabalho desde a coleção de formatura, em 1984.
A lógica dos ciclos A moda geralmente gira em décadas: 1960, 1940, 1970, depois 1990, 1970 de novo, até alguém retomar os anos 1980 e por aí vai. Desta vez, no entanto, o salto temporal deu uma pirueta de séculos e escolheu um ideal de passado específico: o das cortes. Resta saber se quem veste rufo em 2026 (como visto nas criações de Simone Rocha e Charles Jeffrey) está prestando uma homenagem ou tirando sarro daquelas elites.
Pesquisador e professor da Fundação Armando Alvares Penteado (FAAP), Fernando Hage afirma que o olhar para trás é o motor do setor desde o século 19, quando as coleções começaram a se suceder em ritmo acelerado. “Já era comum que as lojas de departamento daquela época se inspirassem em pratarias medievais e elementos greco-romanos como uma forma de trazer novidade para as roupas dos consumidores”, diz ele.
Tal constatação não é novidade. O historiador britânico James Laver foi curador do setor de indumentária do Victoria and Albert Museum, em Londres, entre as décadas de 1920 e 1950. Em 1937, ele defendeu uma teoria de evolução do gosto no livro Taste and fashion – from the French Revolution to the present day. Na obra, o autor adjetiva as tendências em relação ao seu tempo: uma peça é considerada “ridícula” 20 anos após a sua criação, “curiosa” depois de 30, “romântica” ao completar cem anos e “bela” após 150 anos.
Se essas afirmações podem ser questionadas, o dado de rotação é indiscutível. Fernando acrescenta outra constante: os documentos de um passado remoto são escassos. “Fotos e vídeos dos anos 1960 para cá estão amplamente disponíveis”, afirma. Já do século 18 para trás, sobram apenas pinturas e esculturas que colocam essas imagens “num lugar fantasioso e sedutor para o público”.
Há também uma explicação geracional possível para esses interesses tão distantes. A juventude atual cresceu entre 2000 e 2010, um período marcado pela ausência de silhuetas dominantes e por propostas estéticas altamente abrangentes. Uma foto de 1985 é facilmente identificável; já uma de 2010 pode pertencer a quase qualquer momento recente. Sem uma identidade visual própria para se apoiar, esse público salta com facilidade para a Versalhes de 250 anos atrás.
Iza Dezon, especialista em tendências e fundadora da agência homônima de consultoria, aponta outro ângulo provável e complementar. Para ela, esse resgate pode ser “um produto de millennials que estão retomando os encantamentos dos anos 1990 e 2000, num momento em que todo mundo vê as mesmas referências online”. Profissionais que cresceram acompanhando o auge de nomes como John Galliano, Vivienne Westwood e Alexander McQueen chegaram ao mercado abrindo as suas próprias caixas de memória afetiva, enquanto os consumidores mais novos começam a se fascinar por esses notórios subversores do guarda-roupa histórico.
Por que as classes mais altas? Esse arquivo de referências, claro, é sempre o das classes mais altas – seja a aristocracia ou a burguesia. “A moda é um projeto de elite”, diz Fernando. “Predominantemente francesa, que traz essa ideia de um padrão de civilidade, de elegância, de beleza que o mundo inteiro deve seguir.” Os acervos históricos reforçam esse viés eurocêntrico e dominante: “Se você for a uma biblioteca pesquisar a história da indumentária, provavelmente só encontrará esse tipo de registro, e não necessariamente as roupas que circulavam nas ruas, entre as camadas mais populares”.
O acesso à própria Versalhes refletia essa lógica. Segundo o Museu Metropolitano de Arte de Nova York (Met), o palácio abria as portas a qualquer pessoa que estivesse decentemente vestida. Para os homens, isso significava usar chapéu e espada, itens que podiam ser alugados na própria portaria. “Não havia lista de convidados. O que existia era um rigoroso código de vestimenta”, conta Fernando. Ninguém precisava, de fato, pertencer à corte; bastava parecer parte dela.
Hoje, curiosa e literalmente, Versalhes reabre os portões para a cultura pop. Até 24 de janeiro de 2027, o Petit Trianon expõe figurinos, roteiros anotados e storyboards de Maria Antonieta (2006), filme de Sofia Coppola. Com a atriz Kirsten Dunst dando vida à rainha e trajes vencedores do Oscar assinados por Milena Canonero, a obra mesclou sapatos Manolo Blahnik e doces Ladurée a uma trilha sonora que ia de Vivaldi a Siouxsie and the Banshees, New Order e Phoenix.
Na época do lançamento do longa no Festival de Cannes, a produção foi vaiada pela imprensa. Duas décadas depois, virou um símbolo cult. Quando a estética coquette (marcada por tons de rosa, rendas e babados) dominou o TikTok em 2023, a emblemática cena ao som de “I Want Candy” serviu como seu resumo perfeito. O tênis Converse escondido estrategicamente entre os sapatos da monarca já antecipava o comportamento atual: o passado vira tendência quando elementos do presente aparecem no meio dele.
Em março, na semana de moda parisiense de inverno 2026, Harris Reed levou essa mistura ao pé da letra na Nina Ricci, onde assinava a direção criativa. Quatro dias depois, o estilista deixou o cargo, não sem antes resumir a sua última coleção como “Maria Antonieta vai a Glastonbury”. Na passarela, corsets foram sobrepostos a camisetas pretas e agasalhos de veludo, e andaram ao lado de crinolinas e jacquards floridos em tons pastel. Em entrevistas, Harris disse que o maximalismo da rainha abria “avenidas de escapismo” e que a proposta respondia a um cenário social de “muita masculinidade tóxica”.
Em 1904, o sociólogo alemão Georg Simmel descreveu a engrenagem – ainda ativa e cada vez mais veloz – do mercado de moda: a elite lança uma novidade e a abandona assim que as camadas populares a copiam. Hoje, o jabô está na Zara, e o tecido sintético com cara de seda custa uma fração do valor de antigamente. “Atualmente, a ideia de riqueza não se limita apenas à vestimenta, ela engloba vários outros códigos”, explica Fernando.
Para Iza Dezon, o novo dandismo retorna não tanto como “expressão de distinção social”, mas como uma busca “por identidade e prazer em se vestir”. A exclusividade saiu da manufatura e migrou para o repertório cultural.
Boa parte dessa bagagem de conhecimento chega pelas telas. Em 2025, o aniversário de 250 anos de Jane Austen devolveu aos cinemas dos EUA o longa Orgulho e preconceito (2005), de Joe Wright, que também completava duas décadas. Em dezembro, a Netflix estreia uma nova adaptação do romance em seis episódios, estrelada por Emma Corrin como Elizabeth Bennet. Segundo Iza, os filmes baseados nas obras de Austen estão “sendo reeditados para repovoar o imaginário dos jovens”.
No começo do ano, esse repertório visual chegou aos tapetes vermelhos. Na divulgação de O Morro dos ventos uivantes (2026), Margot Robbie repetiu o method dressing (prática de transportar o conceito visual da personagem para as roupas das turnês promocionais) que havia testado em Barbie (2023), sob os cuidados do stylist Andrew Mukamal. Ela vestiu um corset de couro com textura de cobra de Dilara Findikoglu e trajes sob medida da Schiaparelli na première de Los Angeles; já em Londres, usou a réplica de uma pulseira feita com cabelos de Emily e Anne Brontë.
O filme em si irritou os puristas do romance. A figurinista Jacqueline Durran cruzou múltiplas eras, mesclando a velha Hollywood com o design contemporâneo, e a quebra do rigor histórico gerou debates acalorados nas redes sociais – um efeito oposto ao das passarelas.
O cenário no Brasil O estilista João Pimenta questiona a atual onda nostálgica. “Acho que o pessoal está com uma preguiça louca de pensar no novo”, diz ele. Para o designer, o salto longínquo para trás reflete o nosso panorama político. “O mundo está retrocedendo, não está? As pessoas parecem desiludidas com o futuro. Algumas dessas coleções me soam como a burguesia tentando recuperar o seu território. Não fica claro se o objetivo é questionar as noções de pertencimento ou deixar as barreiras sociais ainda mais evidentes”, aponta.
Sob a ótica do sociólogo Georg Simmel, trata-se de ambas as coisas: a moda une quem a adota e afasta os que ficam de fora. Segundo João, as grandes marcas “têm receio de se posicionar e preferem recolocar a classe dominante no poder, reproduzindo o que acontece na política”.
Fernando Hage concorda em parte. “As pessoas estão com medo de errar e, financeiramente, arriscam cada vez menos.” É por isso que figuras como Maria Antonieta retornam com tanta frequência. “Ela é um ícone de estilo consolidado”, justifica. Estudar a fundo o guarda-roupa de uma nobre desconhecida seria inovador, mas traria riscos e daria mais trabalho.
Já Iza Dezon enxerga o fenômeno com menos pessimismo, avaliando a tendência como um sintoma de fuga: “As coisas estão tão intensas que topamos escapar para outros mundos. O universo dos contos de fadas é um território de estranhamento e de poder simbólico.”
O próprio João Pimenta, contudo, já levou corsets e golas renascentistas aos seus desfiles, como na sua estreia na São Paulo Fashion Week, em 2010. Ele explica a diferença: “Toda vez que uso algum elemento burguês, uso como uma afirmação política. Coloco, por exemplo, modelos negros vestindo a indumentária da elite europeia”.
Para Iza, a recuperação de códigos aristocráticos possui sempre duas vertentes. A primeira é sarcástica: “Tira-se sarro de um arquétipo”. Ela lembra que tudo o que John Galliano produz contém ironia, assim como as imagens de Rafael Pavarotti (o paraense que fotografou a coleção da Zara e acaba de ganhar uma exposição no Musée des Arts Décoratifs, em Paris). Séries como Bridgerton (2020-), acrescenta a especialista, vêm “recolorindo nossos imaginários sobre o passado com diversidade contemporânea”.
A segunda vertente é sincera e vem de quem diz: “Gostaria de parecer uma princesa, pois é uma maneira de expressar os meus valores tradicionais”. As duas linhas de pensamento coexistem. “Sempre acho que as tendências estão, de alguma forma, em tensão.”
A princesa conservadora e o gay de fraque e rufo usam o mesmo babado. O que separa as duas é a mistura. “Se eu pego um traje da queda da Bastilha e o misturo com o hip-hop, aí talvez esteja criando algo original”, ilustra Fernando. Foi exatamente o que fez Raul Lopez ao colocar o navegador Cristóvão Colombo e a Christopher Street – endereço-símbolo do movimento LGBTQIA+ novaiorquino – no mesmo moodboard da marca Luar.
No cenário brasileiro, a disputa de significados ganha uma camada adicional. A nossa referida “roupa de época” baseia-se na produção europeia razoavelmente recente: trata-se mais de uma tradução do que de uma tradição autêntica. João Pimenta admite o fascínio: “Eu adoro o volume imperial e os bordados dourados, isso está impregnado em mim”. E aponta o custo: “A gente ainda vive em função de chegar lá. Mas não enxerga que o que temos aqui tem um valor absurdo. É difícil se libertar”.
Em Gramado, no Rio Grande do Sul, o alfaiate Paulo Samu se veste cotidianamente com roupas do século 19 e pesquisa exatamente as frestas dessa tradução cultural. Ao lado do marido, Arthur Adams, ele fundou o Coletivo Nacional de Costura Histórica, que reúne 200 membros, mais de dez mil seguidores no Instagram e opera sob o slogan “roupas antigas em cabeças modernas”.
O foco de Paulo não se restringe à corte. “Sempre gostei de refletir: se eu fosse um alfaiate brasileiro daquela época, o que estaria vestindo?” No Brasil, conta, a cópia europeia esbarrava no clima tropical e na forte produção de algodão. “Usava-se muito algodão estampado e colorido por aqui, enquanto na Europa a silhueta era densa, voltada para a lã e tingimentos como o azul-marinho.”
O que move o coletivo é a manufatura artesanal. Paulo reforça o interesse do público pela precisão do feito à mão, além do apreço histórico. “Não é um figurino; nós buscamos recriar as peças com a máxima fidelidade possível para usar no dia a dia”, diz, revelando que já é procurado por clientes fora da bolha, interessados em peças históricas para integrar ao guarda-roupa rotineiro.
Para ele, o mercado está apenas seguindo a sua oscilação de sempre. “Quando o minimalismo satura, repleto daquelas linhas retas e da sobriedade contínua, chega uma hora em que a fórmula se esgota”, defende. “E nada melhor para romper isso do que o século 18 com todo o seu rococó, texturas, cores, laços e frufrus.” Entre o jabô da fast fashion e o traje costurado à mão, há um caminho. E ele começa, invariavelmente, pela curiosidade.
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