O diretor nascido na Alemanha, Robert Siodmak, despontou como um grande talento na indústria cinematográfica alemã na década de 1930, durante o final da era de Weimar. Sua fama inicial veio ao codirigir “Pessoas de Domingo” (1930) — ao lado de outros futuros cineastas icônicos como Edgar G. Ulmer, Billy Wilder e Fred Zinnemann. No entanto, devido à sua herança judaica e à agitação provocada pelo partido nazista em ascensão, ele migrou pela Europa antes de se estabelecer na indústria cinematográfica de Hollywood no início da década de 1940, período em que sua carreira realmente começou a prosperar.
Ele tinha o dom de extrair atuações fortes e dramáticas de jovens atores, além de dominar a narrativa visual, o suspense de roer as unhas e possuir um verdadeiro fascínio por narrativas com tom de sonho. Siodmak transitou com sucesso por vários gêneros durante sua carreira americana, desde filmes de capa e espada (“O Pirata Escarlate”) até terror (“O Filho de Drácula”) e comédias malucas (“Fly-by-Night”), mas onde ele realmente encontrou seu espaço foi em filmes policiais fatalistas e thrillers psicológicos instigantes, que mais tarde seriam agrupados sob o rótulo de filme noir.
cunhado por críticos de cinema franceses após a Segunda Guerra Mundial, o termo film noir era usado para descrever um ciclo de produções americanas lançadas entre 1941 e 1958 que apresentavam atmosfera sombria, finais melancólicos, cenários enfumaçados e iluminação marcante, tendo protagonistas de moral questionável e mulheres fatais manipuladoras no centro de suas tramas. Tratava-se mais de um estado de espírito do que de um gênero, mas seu impacto ainda é sentido no cinema atual.
Este território era, sem dúvida, o terreno de Siodmak, que produziu exemplos marcantes do gênero — alguns lembrados iconicamente, outros esquecidos pelo tempo, mas todos dignos de atenção para quem se fascina com a subcategoria. A seguir estão os dez melhores exemplos.
10. Espelho da Alma (1946)
Neste ponto de sua carreira, Siodmak havia ascendido na hierarquia, passando de um diretor regular de produções B para assumir o comando de um dos maiores astros de Hollywood, Olivia de Havilland (“E o Vento Levou”). Juntos, eles criaram um noir psicológico com tons freudianos que causou impacto na época, embora não seja lembrado entre seus noirs mais célebres.
O assassinato chocante de um médico gera repercussões em um bairro de classe média. A principal suspeita é um par de gêmeas (ambas interpretadas por De Havilland). Com a polícia empacada devido ao perfil idêntico delas, o psicólogo interpretado por Lew Ayres é chamado para descobrir a verdade.
Esta história de mistério e assassinato brincava com vários tópicos interessantes para a época, com ênfase em como personalidades quase idênticas podem se manifestar em lados opostos do espectro. Por trás das câmeras, no entanto, Siodmak é surpreendentemente comedido, considerando o quanto ele prospera visualmente ao encenar um grupo de pessoas em uma sala com intenções nefastas. Talvez o exigente trabalho de efeitos visuais para fazer ambas as gêmeas aparecerem na tela em simultâneo tenha freado seus floreios estilísticos.
O que realmente se destaca, contudo, é o impressionante trabalho de Siodmak com jovens intérpretes, já que a atuação dupla de De Havilland é hipnotizante, encapsulando perfeitamente a dinâmica de personagens opostos com o mesmo rosto: uma aparentemente vulnerável e compassiva, a outra na defensiva, confrontadora e possivelmente homicida. As cenas das irmãs na reta final realmente fazem o filme ganhar vida com uma série de interrogatórios tensos, nos quais o público nunca tem certeza das intenções que ela esconde.
O resultado é um exemplar mais sutil do que o cineasta noir podia fazer com um thriller de temáticas psicológicas, embora se sustente devido às discussões interessantes sobre a dualidade da psique humana e à atuação principal de De Havilland.
9. O Segredo do Tio Harry (1945)
Um ano antes de “Espelho da Alma”, Siodmak criou um drama contido que gradualmente desce ao território noir. O longa exibiu sua habilidade refinada com tramas dramáticas, extraindo suspense de um cenário de classe média, embora tenha recebido uma recepção morna em seu lançamento.
George Sanders interpreta um executivo têxtil que vive uma vida pacata em uma cidade da Nova Inglaterra com suas duas irmãs matriarcais (Geraldine Fitzgerald e Moyna McGill). Sua existência é virada de cabeça para baixo quando ele se apaixona por uma recém-chegada (Ella Raines, muusa de Siodmak), e o romance entre eles abala a frágil dinâmica familiar, culminando em assassinato.
Sanders se sai bem no papel principal, o homem tímido que ganha uma nova chance na vida através do amor, embora logo pegue o caminho errado; no entanto, é Fitzgerald quem realmente comanda o filme. Ela interpreta uma figura complexa, cuja devoção possessiva ao irmão é esmagadora. É uma atuação dinâmica, e seus momentos finais — quando ela prefere encarar a morte a dar a Sanders uma chance de redenção — constituem uma das cenas mais memoráveis da obra. Raines cumpre bem seu papel, a fotografia a adora, mas ela não é utilizada com tanta força quanto em suas colaborações anteriores com Siodmak, mesmo imprimindo uma força à sua personagem que não estava no roteiro.
Siodmak demonstrou como executar bem as nuances de um drama de cidade pequena, mas, é claro, a produção ganha vida de verdade quando a narrativa envereda para um plano de assassinato. O manuseio de uma cena ambientada ao redor de uma xícara de chá envenenada gera suspense e uma edição inteligente, e é nesse momento que o filme engrena de vez.
E essa é provavelmente a razão pela qual o filme não é lembrado com tanto carinho: a tensão doméstica só dá frutos no final, e então se vê sobrecarregada por uma cena final bizarra e de final feliz (um desfecho imposto a Siodmak pelo estúdio), uma decisão que enfraquece a escuridão deliciosa que veio antes, mas que ainda assim faz valer a assistida.
8. A Carta de Thelma Jordon (1950)
À medida que a década de 1940 chegava ao fim, Siodmak estava quase encerrando sua passagem por Hollywood antes de retornar à Europa. Ele já havia entregue uma série de clássicos noir neste momento e estava no auge de seu poder, o que o levou a finalmente colaborar com a veterana do gênero Barbara Stanwyck em um dramalhão que entrega o que promete.
O promotor assistente interpretado por Wendell Corey está preso em um casamento infeliz, levando a vida no piloto automático. Entra em cena a femme fatale de Stanwyck, uma mulher empolgante, porém problemática, que previsivelmente conduz o homem comum a uma espiral de engano, corrupção e, claro, assassinato.
Quando se trata do território noir, não há ninguém melhor para encarnar a femme fatale do que Stanwyck; de fato, ela praticamente definiu o arquétipo. Aqui ela não decepciona, mostrando-se fascinante, simpática, feroz e desequilibrada ao mesmo tempo, às vezes tudo na mesma cena. É o tipo de papel em que ela se destacava, e o filme é um ótimo exemplo de seu talento nato para isso. Corey é o homem sóbrio da dinâmica, e embora sua rotina de bêbado azarado no primeiro ato pareça mais saída de uma comédia maluca, quando o filme toma um rumo sombrio e cheio de reviravoltas, ele se consolida como um protagonista envolvente que oculta sua turbulência sob um perfil de classe média.
Siodmak sabia como intensificar a tensão por meio de iluminação atmosférica e ângulos marcados e, a partir do segundo ato em diante, conduziu as apostas crescentes como um profissional, infundindo até mesmo a seção de tribunal — menos empolgante — com um suspense palpável.
“A Carta de Thelma Jordon” resulta na combinação de dois grandes nomes do noir, entregando exatamente o tipo de filme que se esperaria deles. Talvez seu maior ponto negativo seja a sombra projetada por “Pactode Sangue”, a atuação icônica de Stanwyck em uma trama semelhante que permanece um marco histórico; ainda assim, este filme continua sendo um forte exemplar de um noir do período tardio, por mais que seja menos memorável.
7. O Suspeito (1944)
Ambientado em uma Londres histórica, este conto é um thriller impressionante adjacente ao noir que foca menos no aspecto de “quem matou” e mais em saber se o protagonista consegue conviver com a culpa dos crimes cometidos. Foi produzido em uma época em que Siodmak começava a demonstrar toda a sua destreza com esse tipo de temática.
Charles Laughton interpreta um lojista inglês preso em um casamento tóxico com uma esposa (uma Rosalind Ivan feroz) que se recusa a lhe conceder o divórcio. Quando ele se encanta por uma jovem simpática (novamente Ella Raines), percebe que a única chance de ter uma vida nova é através do assassinato, naturalmente.
Laughton era, na época, um dos maiores roubadores de cena de Hollywood, interpretando personagens maiores que a vida em filmes clássicos (“O Grande Motim”), mas este thriller o mostra contido, como um homem comum que luta para manter o crime perfeito. Mais comedido do que estamos acostumados, ele domina a tela em uma série de sequências que envolvem esconder o cadáver de um chantagista dos convidados, ou ser confrontado sobre o plano de assassinato por um investigador severo; sua expressão diz mil palavras, e nossa simpatia se apega a ele.
Raines segura bem o papel de objeto de afeto simpático; ela não é uma manipuladora astuta que arrastou o protagonista para o caminho errado, apenas uma catalisadora crível para o desejo do homem de agarrar a liberdade. Do restante do colorido elenco coadjuvante, Henry Daniell — no papel do vizinho covarde que enxerga uma oportunidade de conseguir dinheiro — é o grande destaque. Ele devora as cenas em que aparece, oferecendo a Laughton um rival à altura, mesmo que seu tempo de tela seja breve.
Siodmak aprecia profundamente o cenário e a temática, extraindo o máximo de tensão do enredo, a ponto de até mesmo uma breve cena em que Laughton acredita estar sendo seguido nas ruas se transformar em um espetáculo eletrizante de nevoeiro espesso e luz surreal, narrado inteiramente de forma visual.
O resultado é um dos trabalhos mais subestimados do diretor, trazendo uma nova abordagem para uma convenção noir familiar, ancorada por uma atuação cativante de Laughton, que desafia com sucesso seu tipo habitual de papel.
6. Férias de Natal (1944)
Com um título como “Férias de Natal” e um elenco encabeçado por Deanna Durbin e Gene Kelly, a suposição natural é de que se trata de um musical festivo para rivalizar com a produção de Bing Crosby. Em vez disso, o espectador se depara com um noir sombrio e melancólico que examina a tragédia de prantear um ente querido, obstinado em um fim destrutivo.
Começando com o soldado de coração partido interpretado por Dean Harens, encalhado em uma Nova Orleans tempestuosa durante a temporada natalina, ele faz amizade com a cantora problemática vivida por Durbin. A narrativa então migra para a história dela, enquanto a personagem revela gradualmente o triste conto de seu casamento com o charmoso jogador interpretado por Kelly — que foi preso por assassinato e escapou da custódia —, na esperança de que ele retorne à sua vida.
Durbin era, na época, a queridinha da Universal em comédias musicais; este filme serviu de veículo para ela demonstrar seu talento dramático e, embora na época sua atuação não tenha agradado aos críticos, ela permanece como um feito impressionante. Ela encarna uma figura traumatizada que nutre um amor não correspondido por um homem mau, retratando de forma crível o peso sufocante que recae sobre ela. Surpreendentemente, Kelly interpreta esse homem mau, fugindo de seus papéis habituais, mas se sai muito bem: charmoso em um momento, rugindo de fúria no seguinte. Sua sombra paira sobre os acontecimentos e, quando ele surge no terceiro ato ostentando um sobretudo e um brilho sinistro, o espectador sente que é uma pena ele não ter tentado esse tipo de papel com mais frequência em sua icônica carreira.
Várias das obsessões de Siodmak entram em jogo aqui: as mudanças de protagonistas, a trama desvendada por meio de longos flashbacks e uma atmosfera sombria com ares de sonho. Seus floreios estilísticos funcionam a todo vapor, tornando várias cenas ainda mais assombrosas do que provavelmente estavam descritas no papel — desde o encontro de Harens com Durbin em silhueta dentro de uma igreja ensombrada, passando por Durbin habitando a propriedade de ares góticos de seu marido, até os momentos finais em que o “Liebestraum” de Wagner toma conta da trilha sonora e a culpa de Durbin é dissipada enquanto ela olha para o céu noturno. É uma maravilha visual e uma obra que precisa ser reconhecida como um dos filmes noir mais fortes do diretor.
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